Concierto Rick Astley – Madrid

Por Manuel Pinazo el Viernes sep 25, 2015 Categoría Críticas

Por Manuel Pinazo

Ay… los one hit wonders, los 80s, y ese trío de productores Stock, Aitken & Waterman de cuya chistera salieron innegables éxitos de ventas millonarias y el despegue de las carreras de Kylie Minogue, Samantha Fox, Jason Donovan, Bananarama o Rick Astley. Ese chaval pelirrojo con tupé y voz profunda que a pesar de parecer algo soso, encandiló al personal con sus pegadizas canciones.

Han pasado treinta años de aquello y hoy en día las nostalgia vende más que nunca. Unas 1.500 personas con una media de edad en torno a los 40 años llenaba tres cuartas partes de La Riviera para ver a uno de los ídolos de juventud por excelencia, de esos que podías encontrar en la mayoría de carpetas de las adolescentes de entonces, hoy madres (y padres) de familia con la ilusión de asistir a su primer con cierto en ¿veinte? años.

Y siendo sinceros, mientras esperábamos una retahíla de viejos temas con bases pregrabadas y el “modo karaoke on”, nos sorprendimos con un tipo que ha sabido aprovechar la oportunidad y el paso del tiempo, con un innegable carisma sobre el escenario.

Consciente de que su momento pasó, a pesar de haber vendido millones de discos y haber alcanzado el número 1 de las listas de medio mundo y de que su repertorio no da para hora y media de show, el británico entrelaza sus temas de siempre con  versiones de todo pelaje para conformar un entretenido setlist aderezado con continuos chascarros.

Apoyado por una solvente banda y una corista, arrancó la actuación con “Together  forever” como si de un espectáculo de Las Vegas se tratara y a partir de ahí, se convirtió en un cantante de soul que lo mismo actualizaba sus hits (“She Wants to Dance With Me”,  “Cry for help”, ” It Would Take a Strong Strong Man”, “Lights Out”), que se atrevía con el “Happy” de Pharrel o con clásicos como “When I fall in love” de Victor Young & His Orchestra. Que cogía una guitarra y se marcaba los acordes de “I Feel You” de Depeche Mode o se sentaba a la batería para interpretar el “Highway To Hell” de AC/DC (no, no es una broma) haciendo posteriormente un guiño a The White Stripes.

Pero el momento de la noche llegó con una convincente interpretación del “Uptown Funk” de Mark Ronson & Bruno Mars para éxtasis del personal (alguien de la sala preguntaba “¿esta es suya?”, que ya colmó sus ansias plenas en el cierre del concierto con la esperada “Never gonna give you up”.

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Richard Hawley – Hollow Meadows

Por Manuel Pinazo el Domingo sep 20, 2015 Categoría Críticas

Richard Hawley - Hollow Meadows 

Richard Hawley / Hollow Meadows / Por Manuel Pinazo

Standing At The Sky´s Edge nos gustó, pero algo fallaba. El sonido de Richard Hawley se había ensuciado a base de guitarras y psicodelia y, a pesar de hacernos vibrar, no llegaba a transmitirnos las dosis de emoción de antaño. Había buenas canciones y en general era plenamente disfrutable, pero no era lo mismo.

Quizá consciente de ello, o simplemente dejando fluir su inspiración, Hollow Meadows traza una línea con su antecesor de la mano de sus dos portentosos adelantos, “Which way” y “Heart of oak”, para terminar volviendo por la senda trazada en sus momentos más recordados. Un regreso a su esencia en toda regla, a esos parajes que lleva visitando de manera convincente desde hace década y media, donde los aires nostálgicos y la sensibilidad remiten a clásicos como Bobby Vinton, Roy Orbison, Scott Walker y demás.

Compuesto junto a su fiel guitarrista Shez Sheridan, el disco nos devuelve a lo ya ofrecido en sus primeras obras. Una colección de temas que, con una producción minimalista y tan sumamente cuidada como los de aquellos tiempos, se inspira en el entorno de su Sheffield natal y nos habla del paso del tiempo y de los más profundos sentimientos de la vida cotidiana.

Hawley ha querido abrir el disco mostrándose frágil con la grandiosidad de “I still want you”, donde su voz suena casi rota, y cerrarlo con la muy sentida “What love means”, en la que nos habla del abandono del hogar de su hija, ya independizada. Por el camino quedan toda una suerte de lienzos engalanados con su sello inconfundible: de las cuerdas de “Serenade of blue” a la luminosidad country de “Long time down”, de la declaración de intenciones en “Nothing like a friend” junto a su aquí irreconocible compañero Jarvis Cocker (muy cercana a los ambientes de Truelove´s Gutter (2009) ) a “Sometimes I feel”, otro de sus diamantes en bruto.

Todas ellas son nuevas razones para continuar acrecentando su papel de clásico contemporáneo.

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Entrevista a The Waterboys

Por Manuel Pinazo el Miércoles sep 16, 2015 Categoría Críticas

Por Manuel Pinazo

Es siempre un gusto hablar con artistas tan completos como Mike Scott. El cerebro y único miembro fijo de The Waterboys que nos sorprendía hace cuatro años rindiendo un homenaje a la poesía de Yeats, regresa ahora con un cambio de tercio en el que las guitarras toman el mando.

Modern Blues es uno de los mejores discos de su nueva etapa, que se reactivó hace 15 años para quedarse. Una ponderosa colección de canciones con regusto americano que reivindica el papel de un combo que tiene una trayectoria mucho más allá de Fisherman´s Blues, This Is The Sea y otras de sus grandes obras facturadas hace ya tres décadas.

Estos días inician una amplia gira por nuestro país y hemos querido aprovechar la ocasión para volver a hablar con él sobre la gestación de este nuevo trabajo.

Ya casi hay más álbumes de The Waterboys de 2000 a hoy, que desde vuestro debut a 1993. ¿Ves mucha diferencia entre ambas etapas?

Sí, por supuesto, no tienen mucho que ver. Desde que The Waterboys volvieron en 2000 hemos publicado ya cinco discos A Rock In The Weary Land (2000), Universal Hall (2003), Book Of Lightning (2007), An Appointment With Mr Yeats (2011) y Modern Blues (2015), en la otra etapa fueron seis, ya casi la hemos igualado.

Modern Blues tiene el sonido más americano de tus lanzamientos. ¿Era lo que buscabas?

Quería que Modern Blues tuviera un sonido americano y arrogante, pero no por ello que fuera “más americano” que cualquier otro álbum de The Waterboys. Hay influencias americanas en cada uno de nuestros discos, incluso los que grabamos en Irlanda (Fisherman´s Blues y Room To Roam), que estaban llenos de country, gospel, bluegrass. También tenían influencias de The Velvet Underground, los auténticos pioneros en hacer piezas minimalistas con tan solo dos acordes, es algo que por ejemplo usamos en “We Will Not Be Lovers”https://www.youtube.com/watch?v=98KPLPpuD-g

¿Por qué la grabación en Nashville?

Pues mira, porque es un grandísimo entorno creativo en el que grabar: grandes estudios, grandes músicos y el sentimiento de que toda la ciudad está inmersa en la música.

Hace cuatro años entregabas un disco basado en poemas de William Butler Yeats y el nuevo suena a rock clásico. Siempre hemos valorado tu capacidad para reinventarte ¿Podemos esperar cambios de sonido para siguientes entregas?

Sí. Habrá cambios, pero no sé exactamente en qué consistirán y de momento prefiero no adelantar nada al respecto.

¿Este es un disco surgido de la improvisación o lo tenías preparado hace tiempo?

La mayoría de las canciones fueron escritas mucho antes de la grabación, algunas incluso en 2008. Luego a la hora de grabar ya sabes que permiten cierta improvisación o sorpresas en el estudio. ¿Quién sabe lo que sucederá una vez que los músicos toquen juntos? La canción que tuvo un cambio más radical fue “November Tale”, que pasó de ser una balada de rock acústico con un toque folk, a ser claramente influenciada por el soul de Memphis.

Elvis, Keroac,… son algunas de las referencias del disco. ¿Musicalmente en quién te has inspirado?

¿Influencias? Stax Records, King Curtis y Cornell Dupree,… el Northern soul, además de las influencias que han estado conmigo desde siempre, desde los implacables The Velvet Underground en canciones como “Sister Ray” o artistas como Bob Dylan o Bruce Springsteen.

Te has rodeado de músicos veteranos, ¿Querías dar un aire más clásico a las canciones?

Quería hacer un disco con un espíritu de directo, que es la forma en la que se grababan en las décadas de 1960 y 70. Pero elegí a estos músicos porque son muy buenos.

Bob Clearmountain, ingeniero de The Rolling Stones, ha sido otro de los participantes. ¿Todo es intencionado en este disco?

Bueno, Bob ha hecho muchas más cosas aparte de las que ha realizado para The Rolling Stones. Probablemente nunca escuché una de sus mezclas para los Stones, porque llevo sin prestar atención a lo que han hecho desde unos 30 años… Yo lo elegí, simplemente porque él es un gran ingeniero, y para mi era un sueño poder trabajar con él.

James Maddock también ha tenido peso en la composición de algunas de las canciones. ¿Qué aporta su figura a vuestra música?

Cierto. James es un as de las melodías y se puede apreciar su mano en “November Tale” y “Nearest Thing Yo Hip” y ala menos en la mitad de “Beautiful Now”.

Celebrasteis los 25 años del emblemático Fisherman`s Blues con una reedición y gira conmemorativa, ¿has pensado hacerlo con otro de tus discos?

Todos nuestros discos antiguos han sido ya reeditados con bonus tracks o un CD extra, pero la verdad no creo que hagamos ninguna otra gira a la que hicimos con Fisherman´s Blues, ese disco es diferente al resto.

En septiembre estaréis en España con una amplia gira. ¿Qué diferencias habrá respecto a anteriores visitas?

Habrá una banda asesina en el escenario con David Hood, Zach Ernst y Brother Paul, nuestros tres pistoleros americanos (risas).

Muchas gracias y enhorabuena por este gran disco.

Gracias a vosotros.

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Hoy se celebra el Toro de La Vega

Por Manuel Pinazo el Martes sep 15, 2015 Categoría Varios

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Dave Gahan vuelve a grabar con Soulsavers

Por Manuel Pinazo el Viernes sep 11, 2015 Categoría Música

Mientras Depeche Mode descansan, sus mienbros se dedican a sus carreras al margen y su vocalista, Dave Gahan, ha vuelto a grabar un disco junto a Soulsavers:

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The Jesus & Mary Chain – Live At Barrowlands

Por Manuel Pinazo el Lunes sep 7, 2015 Categoría Críticas

 The Jesus & Mary Chain - Live At Barrowlands

 The Jesus & Mary Chain / Live At Barrowlands / Por Manuel Pinazo

Han pasado diecisiete años desde que The Jesus & Mary Chain publicaran su último trabajo, Munki (1998), tiempo en el que tanto su influencia, como su vigencia no se ha resentido un ápice.

Desde 2007 hemos asistido a la publicación de algún recopilatorio y a la celebración de varias giras, la última de ellas aprovechando el 30 aniversario de su debut, Psychocandy, obra fundamental para entender la evolución y el nacimiento bases del noisepop, el shoegaze y la distorsión. Ello ha derivado en la edición de este Live At Barrowlands, grabado en directo el pasado mes de noviembre en el Barrowlands Ballroom de Glasgow.

Con un sonido enérgico y contundente, los hermanos Reid repasan su carrera y nos dan en una lección en casi dos horas, de quién siguiendo la estela de The Velvet Underground o The Stooges y apropiándose del tono melódico facturado en las obras de Phil Spector,  fueron capaces de facturar una colección de discos para enmarcar.

Así, mientras lleguen las ya anunciadas nuevas canciones (siempre y cuando no acaben a hostias), podemos deleitarnos con un artefacto que aparte de contener las catorce piezas de su primer LP,  se abre con un “prelude set” con otros siete momentos destacados de su discografía, donde caben tanto el pop facturado en Darklands (1987) (“April Skies”) como en singles sueltos (“Some Candy Talking”) o en descartes (“Up Too High”, “Psychocandy”), los toques ramonianos de la era Automatic (1989) (“Head On”), las bases pregrabadas arropadas por una maraña de ruido infranqueable en “Reverence” o la recuperación del que fue su primer sencillo, “Upside Down”, que da paso a la batería inconfundible a lo Ronettes, de la inmortal “Just Like Honey”.

A partir de ahí, un paseo por el lado más salvaje e inspirado de los escoceses, que difícilmente puede recrearse fuera del propio concierto, dado el nivel de decibelios que logran alcanzar (quien les haya visto sabe a qué nos referimos). Pero aún así, tremendamente disfrutable dado el potencial de distorsión y la labor de un inquieto William Reid, no queriendo reproducir tal cuál el sonido de estudio, sino llevándolo mucho más lejos y llenándolo de matices. Con los toques surf a lo “Pipeline” en “The Living End”, la suciedad de “Taste The Floor”, la melodía pegadiza de “The Hardest Walk”, los ecos velvetianos de “Cut End” y su reverso salvaje en “In A Hole”.

Un catálogo de gemas mayúsculas que se completa con las redondas “Taste Of Cindy” o “Never Understand” (más surf), la oscura “Inside Me”, el remanso de paz de “Sowing Seeds” que remite de nuevo a Phil Spector, el tono The Beach Boys de “My Little Underground” y la tripleta final de “You Trip Me Up”, “Something Wrong” y la bajada a los infiernos entre alaridos y acoples de “It´s So Hard”.

En definitiva, la recreación en directo de algunas de las canciones que fueron la semilla de gran parte de lo acontecido en las tres últimas décadas.

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Entrevista a Mogwai

Por Manuel Pinazo el Viernes sep 4, 2015 Categoría Críticas

Por Manuel Pinazo

Han pasado dos décadas ya, desde que Mogwai nacieran como banda en Glasgow. Y de que poco después, nos sorprendieran con aquél Mogwai Young Team (1997), álbum de rock instrumental, con toques de shoegaze que si en un principio resultó inclasificable, terminó por convertirse en una de las piedras angulares del post rock, genero musical del que se les considera uno de los mayores artífices.

Desde entonces les contempla una carrera con una decena de discos, multitud de conciertos arrolladores, bandas sonoras y un futuro aún por escribir.

Estos días celebran su aniversario con la edición del recopilatorio triple Central Belters (se publica el 9 de octubre) y con una gira especial que les trae a nuestro país el próximo 5 de septiembre en el Tibidabo Live Festival de Barcelona y un día más tarde, en el patio del Centro Cultural Tabakalera de San Sebastián.

Hemos aprovechado todo ello, para hablar con Stuart Braithwaite, su guitarrista y miembro fundador y esto es lo que nos ha contado.

¿Cómo veis vuestra carrera con una perspectiva de 20 años?

Si te soy sincero estoy muy orgulloso de haber llegado hasta aquí. Hemos hecho muchísima música estos años y hemos tocado un montón de conciertos. Estoy muy contento de todo lo que hemos hecho.

Después de este tiempo juntos os conoceréis muy bien, ¿Ha cambiado vuestro proceso para crear nueva música?

Bueno, en cierta forma. En estos tiempos tecnología tiene un importante papel a la hora de crear música, pero el proceso esencialmente es el mismo que cuando comenzamos.

Siempre se ha hablado de vosotros como unos de los mayores representantes del post rock, ¿Os sentís identificados con esa etiqueta?

Que se nos emparente con otras bandas a las que se les describe como post rock como Godspeed You! Black Emperor, Tortoise o Explosions in the Sky me parece bien, pero creo que aceptar ser parte de un género musical limita tus posibilidades.

En octubre publicaréis el recopilatorio triple Central Belters, ¿Fue difícil la selección de temas?

Sin duda. Hemos hecho muchos discos y aunque sea un álbum triple, el decidir qué canciones elegíamos y cuáles no, fue una pesadilla.

El disco vendrá acompañado de una gira especial. ¿Qué podremos encontrar en vuestros conciertos de aniversario?

Probablemente tocaremos más canciones antiguas de lo habitual. La gira de conciertos de aniversario arrancó el pasado mes de junio y la verdad, fueron muy especiales.

Habéis tocado muchas veces en España. ¿Tenéis algún recuerdo especial que queráis compartir con nosotros?

Tengo grandes recuerdos de España. Es sin duda uno de mis sitios favoritos del mundo donde actuar. Creo que nuestra actuación en el Primavera Sound de 2011 fue mi favorita.

Hace algunas semanas informábamos que habíais preparado la música para un documental de la BBC sobre Hiroshina y hace unos años hicisteis lo mismo con otro sobre Zidane, ¿Os sentís cómodos componiendo para estos formatos?

Sí, por su puesto. Nos encanta componer música para películas y documentales.

Vuestra música tiene un toque cinematográfico, también habéis compuesto para Les Revenants. ¿Cuáles son vuestros compositores de cine favoritos?

Pues muchos, pero por quedarme con alguno te diría Ennio Morricone, John Carpenter, Goblin y Jonny Greenwood.

¿Y hay alguna película o serie que os hubiera gustado componer?

Toneladas. La mayoría ya tienen grandes resultados, por lo que sería de mala educación hablar de ellos.

Han pasado dos décadas desde vuestro debut y sin duda ha envejecido como el buen vino. ¿Buscáis hacer una música atemporal?

¡Por supuesto! (risas)

El rock instrumental está gozando de un buen momento en estos días, ¿Os sentís identificados con alguna banda en especial?

Creo que estamos cerca de muchas grandes bandas y no tienen porqué ser instrumentales. Te diría que con Bardo Pond, Super Furry Animals, Primal Scream, Low…

Con casi una decena de álbumes, ¿estáis especialmente orgullosos de alguno de ellos?

Estoy orgulloso de todos ellos.

Siempre he tenido curiosidad, ¿cómo elegís los títulos de vuestros discos?

No le damos mucha importancia. Terminamos escribiendo varios títulos y elegimos el mejor.

¿Estáis preparando un nuevo disco?

¡Claro!

Para terminar, ¿Dónde creéis que podría llegar la música de Mogwai dentro de otros 20 años?

Pues no tengo ni idea, pero espero que sigamos haciendo buena música.

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